上一件拍品信息
备注
1936～2018 纸本丙烯、碳、泥土、砂 1998年作 正签：Einhoff 98。 弗里德里希·埃因霍夫是当代德国最著名的表现主义艺术家之一，被称为“将汉堡置于德国艺术地图上的人”及“流派之间的流浪者”。他出生在二战前的德国，童年的战争和疾病经历深刻地使他想象了一个对立的世界（Gegenwelten），或平行世界，对他而言，这是人类“显性”和“隐性”之间未开发的领域。因此，埃因霍夫笔下的人物都有一种被束缚的魅力，他们或有模糊不清的五官、残缺的身躯。艺术家使用“异化”的表现手法，塑造静物似的人物形象，赋予它们与图像空间分离的感觉。
弗里德里希·埃因霍夫：在残缺中触摸人性的温度
当你在美术馆遇见埃因霍夫的画作，就像撞见一面布满裂痕的镜子——那些支离破碎的面孔、溶解在阴影中的躯体，既令人不安又莫名亲切。
这位被称为“德国艺术隐士”的画家，用四十余年时间在画布上搭建起一座人性的实验室，让每个观众都在那些斑驳的肌理中照见自己的灵魂拓印。
埃因霍夫笔下的人物总带着被时间啃噬的痕迹：皮肤如同老墙皮般剥落，五官在炭笔与油彩的摩擦中模糊位移，肢体像是被记忆的潮水反复冲刷的礁石。这种独特的视觉语法，源自艺术家长达十年的医院童年——自幼患病的他，在消毒水气味中目睹生命的脆弱，将病房里游荡的苍白面孔转化为永恒的艺术母题。
是次上拍的一幅布面作品、一幅纸上作品，都是由丙烯、碳、泥土、砂等材料创作而成，这些媒介的奇异碰撞使得他笔下的人物既有培根笔下肉体的颤栗，又带着贾科梅蒂雕塑般的孤寂。他的创作过程本身就是行为艺术：画布要经过数十次覆盖、刮擦、焚烧，直到积累出地质断层般的质感。那些看似随意的裂痕实则是精密计算的结果——埃因霍夫会先完整绘制人物，再用砂纸磨去60%的细节，最后用油彩、蜡笔甚至咖啡渍进行“考古式修复”。这种“破坏-重建”的循环，恰似人类在创伤中自我修复的隐喻。当我们在画前驻足，剥落的颜料层下隐约透出底稿，恰似结痂伤口下涌动的新生血肉。
在德国新表现主义风靡的1980年代，埃因霍夫始终保持着“逆潮流”的清醒。不同于基弗的历史宏大叙事，他更痴迷于微观的人性光谱。其画中人物往往处于“未完成”状态——这种刻意的“残缺美学”，打破了传统肖像的完整性崇拜——正如艺术家所言：“完美是死亡的标本，而残缺才是生命的胎记。”
近年来艺术市场对埃因霍夫的重新发现颇具启示性，这种迟来的认可，某种程度上印证了数码时代人们对“肉身真实”的渴望——当社交媒体滤镜制造着虚假的完美，埃因霍夫笔下那些布满裂痕的面孔，反而成为了对抗虚拟化的精神抗体。
那些在暗夜中发光的残缺人像，恰似这个时代的精神寓言：承认破碎，方能触摸真实。
Ⅰ.国际视野 LOT 1646-1685 42×35 cm.
弗里德里希·埃因霍夫：在残缺中触摸人性的温度
当你在美术馆遇见埃因霍夫的画作，就像撞见一面布满裂痕的镜子——那些支离破碎的面孔、溶解在阴影中的躯体，既令人不安又莫名亲切。
这位被称为“德国艺术隐士”的画家，用四十余年时间在画布上搭建起一座人性的实验室，让每个观众都在那些斑驳的肌理中照见自己的灵魂拓印。
埃因霍夫笔下的人物总带着被时间啃噬的痕迹：皮肤如同老墙皮般剥落，五官在炭笔与油彩的摩擦中模糊位移，肢体像是被记忆的潮水反复冲刷的礁石。这种独特的视觉语法，源自艺术家长达十年的医院童年——自幼患病的他，在消毒水气味中目睹生命的脆弱，将病房里游荡的苍白面孔转化为永恒的艺术母题。
是次上拍的一幅布面作品、一幅纸上作品，都是由丙烯、碳、泥土、砂等材料创作而成，这些媒介的奇异碰撞使得他笔下的人物既有培根笔下肉体的颤栗，又带着贾科梅蒂雕塑般的孤寂。他的创作过程本身就是行为艺术：画布要经过数十次覆盖、刮擦、焚烧，直到积累出地质断层般的质感。那些看似随意的裂痕实则是精密计算的结果——埃因霍夫会先完整绘制人物，再用砂纸磨去60%的细节，最后用油彩、蜡笔甚至咖啡渍进行“考古式修复”。这种“破坏-重建”的循环，恰似人类在创伤中自我修复的隐喻。当我们在画前驻足，剥落的颜料层下隐约透出底稿，恰似结痂伤口下涌动的新生血肉。
在德国新表现主义风靡的1980年代，埃因霍夫始终保持着“逆潮流”的清醒。不同于基弗的历史宏大叙事，他更痴迷于微观的人性光谱。其画中人物往往处于“未完成”状态——这种刻意的“残缺美学”，打破了传统肖像的完整性崇拜——正如艺术家所言：“完美是死亡的标本，而残缺才是生命的胎记。”
近年来艺术市场对埃因霍夫的重新发现颇具启示性，这种迟来的认可，某种程度上印证了数码时代人们对“肉身真实”的渴望——当社交媒体滤镜制造着虚假的完美，埃因霍夫笔下那些布满裂痕的面孔，反而成为了对抗虚拟化的精神抗体。
那些在暗夜中发光的残缺人像，恰似这个时代的精神寓言：承认破碎，方能触摸真实。
Ⅰ.国际视野 LOT 1646-1685 42×35 cm.